L’histoire de l’art féministe se contente-t-elle de redécouvrir des artistes femmes et de réévaluer leur contribution à l’art ? Ne s’agit-il pas plutôt d’une véritable intervention féministe dans la discipline « histoire de l’art » afin de révéler le sexisme structurel de ce discours fondé sur l’ordre patriarcal de la différence sexuelle ?
Griselda Pollock, « Histoire et politique : l’histoire de l’art peut-elle survivre au féminisme ? » in Féminisme, art et historie de l’art, Mathilde Ferrer et Yves Michaud, édition ENSBA 1994.

L’estampe est un terme que tout le monde emploie sans trop savoir, ni connaître, son origine ni ce que cela signifie. Le mot est joli et son étymologie offre à elle seule un petit détour dans quelques pays de l’Europe des langues. L’ancien français et l’origine italienne stampa qui signifie une impression, dérivent en réalité stampjan ou du francique stampôn : écraser, frapper devenu en allemand stampfen « frapper du pied ».
Au-delà de l’acception la plus usitée qui renvoie à une commande passée depuis 1982 par le Département du Val-de-Marne à une ou un artiste dans le cadre de la Journée internationale des droits des femmes, il était intéressant de relier le combat pour les droits des femmes et un procédé reproductible. Les textes sur les amateurs d’estampes, les collectionneuses et collectionneurs, complètent l’iconographie ou les choix des différentes propositions. Le terme d’estampille enrichissait cette interrogation sur les pratiques de l’estampe d’une dimension supplémentaire puisque ce procédé servait à authentifier un acte, un objet. L’acte répondait à une question légitime et récurrente : l’estampe est-elle une œuvre d’art originale ? Il était préférable de parler d’œuvre authentique. Il n’était pas non plus innocent que ce terme d’authenticité soit associé au combat pour les droits des femmes. Il conférait à l’estampe les apparences d’un manifeste et de ce qu’on pourrait appeler, nonobstant du vocabulaire notarial, d’une manière métaphorique un acte authentique, autrement dit un engagement sans faille. Une petite coquetterie poétique, entre Lacan et Derrida, venait doter ce mot d’un sens supplémentaire. À la même manière d’un texte double ou un mot gigogne, la fin de mot « piller » convoque le caractère militant et l’arrière-fond révolutionnaire (ou d’agilité permanente) nécessaires pour faire bouger les lignes et entrevoir la portée de ce qui n’est pas qu’un accrochage de circonstance.

Après 46 ans de journées des droits des femmes, il n’est pas inutile de marquer d’une estampe et d’une estampille un tel jour. Que le sujet soit sensible, c’est la moindre des choses pour dire une révolte et reprendre en le martelant -tel un mantra- qu’il est nécessaire de ne rien lâcher. Le présent accrochage, au-delà de la célébration inhérente à la journée elle-même, en mémoire de cette ancienne étymologie tape du pied et affiche une détermination, à l’image de la position d’interlocutrice d’Agnès Thurnauer (2001) qui ne tire pas un trait, qui décide de faire une croix et de cocher la bonne case. Propos et sous-conversation qu’Élisabeth Ballet (2011), quant à elle, a listé en recensant tics de langage et conditionnements sémantiques contre lesquels elle nous intime de lutter. Le parcours pour changer la langue est semé d’embûches, de résistances, autrement dit de dangers et de pièges que les commandes passées, depuis 1982, par le Département du Val-de-Marne ponctuent, commentent et sous-titrent à leur manière. Les estampes disent ainsi les acquis, les revendications, les combats et rendent plus manifestes encore les améliorations qui constituent un des points essentiels de cette journée de sensibilisation et de lutte. Celle-ci pourrait prendre pour effigie l’œuvre de Myriam Mihindou (2007-2015) son Women’s Building qui fait référence à l’histoire du Woman’s building, pavillon construit pour l’exposition universelle de 1893 à Chicago afin que les femmes puissent bénéficier d’un lieu pour exposer, discuter et faire de la recherche. Grâce entre autres à l’artiste Judy Chicago un nouveau Women’s Building est inauguré, en 1973, à Los Angeles, devenu un modèle en matière de conscientisation et de circulation, dans l’espace public, de la parole et des revendications des femmes.

Les commandes d’estampes par le Département du Val-de-Marne, depuis plus de trente ans, offrent un corpus qu’il est intéressant d’analyser en regard de l’évolution des droits des femmes et décrivent le parcours nécessaire vers un pluriel pour éviter toute forme d’essentialisation. Si bien qu’une sorte de cohérence iconographique, un peu pionnière, circule entre Jiří Kolář (1989), Samuel Buri (1991), Alex Mlynárčik (1992), Nikos (1996) et Vladimir Veličković (1999) qui réfléchissent la cause des femmes et interrogent leurs droits en les reliant à des images et à des icônes attribuant et parfois hélas confortant, des rôles. Il est patent que les places dévolues dans la proposition de Mlynárčik sont critiques lorsqu’il évoque tantôt une reine d’Égypte, tantôt la dentelière la plus célèbre de l’histoire de l’art, l’Olympia de Manet, La Joconde ou encore La Grande Odalisque d’Ingres précisément parce qu’il conclut par la « figure par excellence » de cette lutte La liberté guidant le peuple de Delacroix. Le principe du modèle ainsi interrogé est antinomique de celui d’égalité ; ni exemple ni modèle mais pied d’égalité.

Au-delà des trois séquences ou scansions qui ont permis d’établir des ensembles, en se tenant au plus près du but que se donne cette journée, d’autres relations se nouent entre les artistes de « Frapper du pied » selon les règles -sans règles- des rapprochements et le vagabondage des analogies. Cette présentation propose aussi de réfléchir à un sujet induit : les multiples. Par leur histoire et leurs usages, ils sont adaptés à la diffusion des revendications féministes particulièrement efficaces en matière d’empowerment. L’œuvre de Françoise Pétrovitch (2006), par son titre, mêle sphère intime et combativité. Tenir debout dans un tel contexte, c’est un peu « tenir tête » ou « faire face » grâce à des images qui jamais ne jouent à la poupée. Elles réaffirment entre talons aiguilles et pied inexplicablement enfantin le passage d’un âge à l’autre et des expressions aux airs de fausses comptines qui ne savent pas sur quel pied danser. Il est difficile indépendamment des catégories de ne pas trouver dans chacune des propositions les acquis, les revendications et les améliorations. Chaque image les porte selon une circulation, de plus en plus fluide, un des meilleurs adjectifs pour en finir avec la binarité qui cantonnerait chacun dans son rôle. Il est presque impossible de ne pas voir dans ce voile qui s’envole de Majida Khattari (2016) un signe qui, dans certains pays, peut coûter la vie à celles qui osent le lever ou tout simplement l’enlever. La liberté ne devrait pas avoir ce prix ou ne pas avoir de prix du tout. C’est alors que les mots inscrits dans l’estampe de Tatiana Trouvé (2008) se doublent d’un autre sens. Quel est le sens de l’arbre généalogique irrigués par des affluents et des confluents aux couleurs de sang caillé qui perd de son ampleur dans sa silhouette de plante en pot ? À qui s’adresse l’artiste lorsqu’elle écrit : « grâce à votre attention ainsi qu’à votre désir d’action à votre intérêt je survis depuis toujours » ? Ne dit-elle pas l’hypocrisie qui parfois motive les journées nationales ou internationales inventées pour canaliser dans un dispositif, en l’occurrence commémoratif et « célébratif », une cause qui ne devrait et ne doit ne jamais laisser tranquille. Le danger de la bonne conscience n’est pas totalement absent des bonnes volontés et des bonnes intentions. Cela n’a pas échappé à Claude Closky (2005), selon une manière un peu conceptuelle et simplement chiffrée, il code 24 heures de la vie d’une femme qui n’ont pas la poésie un peu triste du court roman éponyme de Stefan Zweig mais simplement le caractère harassant d’une journée ou de 24 heures de la vie des femmes qui multiplient les contraintes des journées qui comptent double et selon des calculs savants des sociologues et des économistes, comptent pour du beurre.

Les marques ne manquent pas dans cette proposition résolue -encore qu’il ne s’agisse jamais ou presque de stigmates-. Sylvie Fanchon (2018) simplifie à l’extrême la silhouette d’une chevelure de femme qui devient une sorte de logotype et d’image sans profondeur. Pourquoi voir absolument une chevelure dans cette forme schématisée qui pourrait signifier tout autre chose ? Elle dit ainsi la difficulté de contrer les places dévolues, les rôles déterminés ou prédéterminés. Des profils, ceux de Taysir Batniji (2021) ou de Nobuko Watanabe (2002) ou alors un dos natté, catogan célèbre de Kimsooja (2010) qui répond ironiquement ou très concrètement aux figures qui, forcément, finissent par tourner le dos. Toutes et tous, à commencer par Kimsooja lorsqu’elle parle de la couture, disent l’usure de ce qui est censé représenter la féminité, les attributs un peu lassants de l’aiguille et du domestique brandis pour les contrecarrer dans le déplacement et le nomadisme. Gözde Ilkin (2020) ou Pirjetta Brander (2008), respectivement déesses callipyges planquées dans un motif de papier peint (pour évoquer l’intersectionnalité) ou sexe des femmes pensé comme de l’électroménager, coup fatal au devoir conjugal et au voyeurisme du trou de serrure. Toutes deux sapent également expressions, places et ordre établi. Judit Reigl (2004) aura pensé tout cela, lorsque son modèle se tient de face et si droite, elle ne joue pas aux déesses qui ne feraient qu’essentialiser les femmes, elle lui donne un statut « sed formosa » que ces journées devraient nous aider à mieux nommer pour ne plus être obligés de balancer entre la mélopée un peu troublante de Chercher le garçon et celle un peu moins bien attentionnée de Chercher la femme. Les expressions toutes faites sont devenues des pièges qui ne rendent pas compte de ce balancement d’un pied sur l’autre, de la fin de la binarité et que les identités poreuses se multiplient sans fin à l’instar de la reproductibilité intrinsèque aux estampes. Si bien que Mélissa Pinon (2017) a raison de parler de dress code et d’espérer de ne pas se laisser berner, malgré leur possible élégance, par les robes du soir à moins que celles-ci ne soient portées par toutes et tous. Il serait bon de retenir, au moins en français, que dresser c’est déjà s’adresser et tout simplement que se redresser c’est, désormais, vouloir ni tourner ni baisser la tête.
Nicolas Surlapierre, directeur du MAC VAL

Avec les œuvres de Élisabeth Ballet, Taysir Batniji, Pirjetta Brander, Samuel Buri, Claude Closky, Sylvie Fanchon, Gözde Ilkin, Majida Khattari, KIMSOOJA, Jiří Kolář, Myriam Mihindou, Alex Mlynárčik, NIKOS, Françoise Pétrovitch, Mélissa Pinon, Judith Reigl, Agnès Thurnauer, Tatiana Trouvé, Vladimir Véličković, Nobuko Watanabe.

Mehryl Ferri Levisse
Les pieds aux divas nues
Papier peint, 2023

Débuté il y a une petite dizaine d’année, l’ensemble du travail de Mehryl Ferri Levisse se focalise sur le motif, l’artiste est convaincu que l’ornement n’est jamais neutre, qu’il est toujours le véhicule de normes et de valeurs. Mehryl Ferri Levisse se l’approprie et le retravaille pour en subvertir les idéologies sous-jacentes.
Le papier peint est omniprésent dans sa pratique artistique, utilisé projet après projet sous des formes différentes ; qu’il s’agisse d’arrière-plan dans ses captations photographiques, de collectes et d’archives avec lesquelles l’artiste constitue une immense banque de motifs qui lui sert de référence pour ses différents projets ou encore dans un retour historique à l’ancêtre du papier peint nommé papier dominoté au XVIII^e siècle, avec lequel on recouvrait les livres pour les protéger. Il en a réalisé en 2017, une œuvre monumentale et in-situ à la Bibliothèque du Musée des Arts Décoratifs de Paris, composée de 1624 pochettes à rabats en papier peint de 562 motifs différents, l’artiste vient retranscrire la classification de Jules de Maciet par la couleur et le motif. L’œuvre nommée De l’importance du motif est devenue pérenne et est toujours visible.
Depuis ses premières expositions personnelles, l’artiste réalise ses propres papiers peints, il orne les murs intérieurs ou extérieurs des espaces dans lesquels il intervient, dans une surenchère de motifs et de couleurs, il fait table rase du white cube, des codes et diktats de l’art contemporain en invitant le public à pénétrer dans son univers.
Les pieds aux divas nues est une commande du MAC VAL à l’artiste dans le cadre de sa collection d’estampes de La Journée internationale des droits des femmes.
Mehryl Ferri Levisse poursuit son exploration et son travail sur le corps qu’il considère comme un motif à part entière, et compose un papier peint à partir de deux dégradés de nuances de peaux allant des peaux les plus claires aux peaux les plus foncées ou des peaux les plus foncées aux peaux les plus claires en fonction du sens de circulation du public.
Les deux dégradés qui composent le motif de grande taille (8 mètres linéaires) viennent dialoguer avec un troisième motif à l’inverse de petite taille qui n’apparait aux yeux du public seulement lorsqu’il s’en approche, créant ainsi un papier peint à plusieurs sens de lecture. Le titre Les pieds aux divas nues est un clin d’œil au titre du premier album de la chanteuse Cesaria Evora, La diva aux pieds nus, et rend ainsi hommage à toutes ces femmes civiles ou publiques, racisées ou non que l’histoire a trop souvent oubliées.

Œuvres commandées par le Conseil départemental du Val-de-Marne pour la Journée internationale des droits des femmes.
Collection MAC VAL – Musée d’art contemporain du Val-de-Marne.